Galería La Aurora

Cumpleaños del artista José Luis Cuevas

2012-02-27T17:30:00.001-08:00

José Luis Cuevas nació el 26 de febrero de 1934 en la Ciudad de México. Este artista autodidacta dedica su vida a varias corrientes artísticas, es pintor, escritor, grabador, escultor e ilustrador. En el año 1950 estuvo trabajando en el periódico The News como ilustrador de las entrevistas de la periodista estadounidense Anita Brenner. En el 1952, su hermano Alberto, que estaba especializándose en psiquiatría, lo llevó de visita al manicomio de La Castañeda para que tuviera como modelos a los enfermos mentales. Es en la década de los 50 cuando su obra empieza a ser reconocida y expone en Washington, DC. Más tarde expone en París, comprando Pablo Picasso algunas obras de Cuevas. Siempre ha querido criticar todo lo que no seguía sus ideologías a través de sus obras. El New York Times lo calificó como uno de los dibujantes más grandes del siglo XX. En 1992 se inauguró el Museo José Luis Cuevas en su ciudad natal. Entre algunos de sus premiso más reconocidos, se encuentran el Primer Premio Internacional de Dibujo de la Bienal de Sao Paulo en el año 1959, el Primer Premio Internacional de Grabado en la I Trienal de Nueva Delhi en 1968, el Premio Nacional de Bellas Artes por el Gobierno de México en 1981, la Universidad Autónoma de Sinaloa le nombró Doctor Honoris Causa en el año 1984, ese mismo año obtuvo el Premio Internacional del Consejo Mundial del Grabado en San Francisco, en el 1991 recibió la Orden de Caballero De Las Artes y de las Letras de la República Francesa, y en el 1992 fue nombrado Artista de la Ciudad por el Gobierno del Distrito Federal de México. Desde que comenzó su trayectoria artística, no ha parado ni un año en aparecer en exposiciones de galerías, museos y demás centros artísticos y además le han dedicado retrospectivas.

Sin Título. 1987.

Sofía Martínez H.

Eduardo Arroyo cumple 75 años

2012-02-26T10:00:00.000-08:00

Eduardo Arroyo nació el 26 de febrero de 1937 en Madrid. Pintor figurativo que se marchó a París huyendo del franquismo. Había sido educado en el seno de la dictadura franquista, y eso fue generando un sentimiento a la vez de esperanza y de pesimismo. A través de su pintura criticaba las dictaduras políticas y artísticas. Pensaba que los vanguardistas únicamente seguían modas y los rechazaba. El cine y el comunismo son dos de sus temas más recurrentes en su obra. Ridiculizaba y reinterpretaba a su manera a los tópicos españoles con un toque surrealista. Su obra puede verse en los centros más importantes de arte. En una entrevista en la que le preguntaron cuál era la receta para que su arte guste tanto a jóvenes como a mayores, a todas las generaciones, Arroyo respondió: "Para empezar, no sé si realmente gusta, y luego es una cuestión que nunca me he planteado. Es muy amable lo que me dice, ¡ojalá fuera así! Pero nunca lo he podido cotejar o verificar. Creo que, en un cierto sentido, estoy tan solo como toda la gente que practica actividades solitarias, y no me doy cuenta de lo que está ocurriendo. Yo trabajo, mantengo una relación muy intensa con cada cuadro mientras lo estoy pintando y luego, pues nos separamos cuando ha caído totalmente el interés porque el cuadro, como un ser vivo que es, se va por su cuenta. Aunque parezca una metáfora fácil, estoy convencido de que el cuadro vive y habla, por eso la relación es muy intensa, casi violenta, pero fugaz. Y además yo no vivo por o con mis cuadros, por eso están de cara a la pared; en mis casas no hay un solo cuadro mío. Vivo muy bien con cuadros de los demás, me produce satisfacción, pero convivir con los míos sería un suplicio." Esta es una de las obras de Arroyo que hay en La Aurora:

Platón

Sofía M.H.

25 años de la muerte de Warhol

2012-02-22T18:45:00.000-08:00

Andy Warhol nació en Pittsburg el 6 de agosto de 1928 y murió en Nueva York el 22 de febrero de 1987. Artista que se dedicó al mundo de la pintura, el dibujo, la fotografía, el grabado, la escultura, el cine y la literatura. Fue imprescindible en la creación del Pop Art. Para la realización de sus litografías, Warhol utilizaba en ocasiones fotografías sacadas por él. Solía tomarlas con una cámara Polaroid. Su visión de la fotografía tuvo una gran influencia en las fotografía artística posterior. Su obra estuvo estrechamente ligada a su vida personal, traspasando los límites de separación entre ambas y convirtiéndose en un artista que suscitó un gran interés uniendo su obra y su vida como una obra en sí. Su texto Campbell’s nos muestra los entresijos de sus pensamientos: "Andas por las calles de/New York, buscando a Marilyn,/Dos o tres ideas, una lata,/Y aún así no estás conforme./Porque eres Warhol,/de aquellos que buscan experimentar,/y prefieres un par de cuchillos/que cortan los sueños de tu prójimo./Y es Marilyn, otra vez,/y es Mao, que murió en el intento,/una banana que aún ansío comer,/una lata -a mi parecer vacía-;/y eran unas cuantas botellas de Coca-Cola, aún intactas./A pesar de eso eres Warhol,/y no pintas con pinceles,/y no imaginas con imaginación,/porque tus crestas son un ruido para mis ojos,/como la muerte silenciosa de los disturbios./Y por eso eres Warhol,/pues te escondes en las esquinas/pensando/que eres perseguido/-incesantemente-/por la bacteria del Renacimiento/que no has sabido atacar-/-Por algo temes a los hospitales-./¡Entonces eres Warhol!/Porque quieres a las mujeres,/y amas a los hombres./Porque trazado en tus bocetos /está tu biografía:/eres hombre,/eres mujer,/¡eres Warhol!/Así callan las calles de/New York, cuando Andy/Deambula por las avenidas/Y lleva bajo su débil brazo la estirpe de la humanidad." Este es un vestido firmado por Andy Warhol que se encuentra en La Aurora:

Sofía M.H.

Cumpleaños de José Cacho

2012-02-20T19:30:00.000-08:00

José Luis Cacho López nació el 20 de febrero en Barcarrota, Badajoz. Pintor y escultor que se trasladó a Murcia a temprana edad, considerándose murciano. Estudió Dibujo y Modelación en la Escuela de Artes y Oficios y Filosofía y Letras en Murcia, aunque ya había empezado su formación como artista en los estudios de José Larios. De forma individual ha expuesto en Murcia y Valladolid. Y de forma colectiva, su obras han estado en Murcia, Valencia, Ibiza, Elche, Badajoz, Ibiza, Sabadell, Sevilla, Madrid, o Cáceres entre otros. Además, fuera de España también ha llegado su obra, ya que expuso en la Galería Prismaiv en Lund (Suecia). Algo a destacar de su vida, como la de algunos artistas murcianos, son sus encuentros con otros artistas, ya qe en el taller de Pepe Albacete, se reunía con el hermano de éste, Alfonso Albacete, con el artista Antonio Ballester, al igual que con Manolo Belzunce, y también con arquitectos como Vicente Martínez, Chelete Monereo, la esposa de este último, y varias personas relacionadas con el mundo del arte además de con otras actividades como la sociología o la política. Eran años complicados a la hora de poder compartir ideas libremente, ya que se reunían en los años previos a la muerte de Franco y los posteriores, muy reciente todavía, y todavía España era bastante opresora para que se pudieran intercambiar estas diferentes opiniones y realizarse este tipo de actividades sin que se viera como algo no muy bien visto. José Luis Cacho siempre ha tenido una tendencia abstracta. Sus obra posee unas característacas que hacen que muchos las vean como si hubieran sido ejecutadas en un laboratorio. Sostiene que en el arte no se trata de imitar el mundo, sino de hacer posible una nueva visión de este. Se le ha definido como un artista de incuestionable calidad. Su obra sigue una tradición racionalista y matérica pero pueden verse también influencias orientales. Esta es una de sus esculturas, perteneciente a la Galería la Aurora:

Pareja

Sofía M.H.

Hoy hace 12 años que falleció Keith Haring

2012-02-16T19:15:00.000-08:00

Keith Haring nació en Reading, Pensilvania, el 4 de mayo de 1958 y murió en Nueva York el 16 de febrero de 1990. Este artista de Pensilvania se centra en el estudio de la sociedad de la generación pop. Está influenciado por los dibujos animados que veía en la televisión. Su trayectoria artística comenzó con la realización de serigrafías para imprimir en camisetas. Se convirtió rápidamente en un artista conceptual e intentó combinar la música y la moda en su arte. Influenciado por Warhol, evolucionó a un arte semiabstractro derivando en un arte New Wave que recuerda a Pollock. Reflejó la cultura callejera de su tiempo, llegó a pintar un trozo del muro de Berlín. Era uno de los llamados artistas hijos del pop, que estaban unidos a Andy Warhol. Fue amigo de la cantante Madonna y del artista Jean Michel Basquiat, fue cliente fijo de las saunas gays, y destrozaba los dibujos de Disney a la vez que era fan de estos. Fue multado repetidas veces por bailar en la calle y además fue bailarín de break dance en la discoteca Club 57. Toda estas facetas aparecen reflejadas en sus obras, desembocando en un resultado muy peculiar. Siempre estuvo ligado al Nueva York gay y a la New Wave. Junto a Basquiat pasó del metro a las galerías rápidamente. Fue en el año 1989 cuando viajó a la ciudad de Barcelona y pintó un mural anti-sida en las paredes del Raval, el conocido barrio de la ciudad condal. Desde los dibujos animados, televisiones, ovnis, o bebes a cuatro patas, hasta llegar a la temática del baile, el sexo, la enfermedad, la guerra o el ecologismo; las obras de Haring, donde destacó en las técnicas artísticas de la litografía y la serigrafía además de con sus grafitis, han dado la vuelta al mundo y se han usado para diferentes elementos de la vida cotidiana. Una de sus obras pertenecientes a La Aurora:

Apocalypse

Sofía M.H.

Hoy cumple 60 años Antonio Ballester

2012-02-15T21:05:00.000-08:00

Antonio Ballester Les Ventes nació el 15 de febrero de 1952 en París, viviendo actualmente en Murcia. Pintor, escultor y fotógrafo muy reconocido, hijo del pintor murciano Mariano Ballester y la filóloga Monique Les Ventes. Su casa se convirtió en el centro de las tertulias de artistas que discutían sobre Cezanne, Dalí o Picasso. Antonio Ballester creció escuchando a Ray Charles, The Beatles o los Rolling Stones. En sus años de formación, está influenciado por Francis Bacon, le atrae también de él ese compromiso con la denuncia social. Marcado también por directores como Fellini, Pasolini y Buñuel. Todo esta suma de intereses perfilará el modo de realizar sus obras. Crea un mestizaje de temáticas y técnicas. Su padre fue miembro del grupo El Paso junto a Antonio Saura y del grupo Puente Nuevo. Pasando por diferentes etapas artísticas, destaca en la que el retrato y la figura predominan en sus obras. Gran amante de la música, presenció el nacimiento de la emisora Radio 3. Sus creaciones artísticas, tanto literarias, musicales o plásticas, nunca han sido una tarea que le haya venido dada, nunca ha tenido dificultades para enfrentarse a las diferentes doctrinas, y siempre trató de encontrar un punto de equilibro entre las diferentes emociones que recorrían sus obras. También le mueve el espíritu del performance. Genial en todas sus técnicas artísticas; para algunos sólo puede definirse como un artista inclasificable. La vida artística de este pintor ha estado ininterrumpida desde sus inicios hasta la actualidad. Su legado artístico está siendo extensísimo, llegando su obra a diferentes puntos del mundo. Es un artista altamente consolidado, es un mito en la Región de Murcia. Se pretende crear un centro de documentación biográfico Mariano Ballester-Monique Les Ventes en el que podrá conocerse la obra completa del artistas en todos los terrenos que ha trabajado. Esta es una de sus obras que pueden verse en La Aurora:

Biquini En Rojo

Sofía M.H.

Luis Gordillo, Premio Nacional de Arte Gráfico

2012-02-13T18:35:00.000-08:00

Luis Gordillo nació en Sevilla en 1934. Pintor abstracto de alcance internacional. Comenzó la carrera de Derecho, pero al no sentir vocación la abandonó para estudiar Bellas Artes. A finales de los años 50 se trasladó a París, donde se adentró en el mundo de la vanguardia. Participó en el informalismo siguiendo los pasos de Antoni Tàpies y también interpretó el arte pop como el de Andy Warhol formando parte esencial de este en los años sesenta. Investigó diferentes corrientes artísticas acercándose la que se acercara más a lo que pretendía transmitir. Quiso adentrarse en el psicoanálisis a través de su obra, buscando conseguir una gran expresión estética. Su obra destaca por la importancia que le da a la serie y a la repetición de elementos como herramienta artística. Aún así siempre sostuvo que una imagen nunca está acabada definitivamente. Tiene en su poder un gran número de premios en reconocimiento a su trayectoria artística, como el Premio Nacional de Artes Plásticas que recibió en el 1981, o la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Ministerio de Cultura que le otorgaron en el 1996 o la Medalla de oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid en el 2004, además de ser galardonado en el 2007 con el Premio Velázquez de Artes Plásticas, equivalente en pintura al Premio Cervantes. Su título más reciente fue en el 2008, que fue investido Doctor Honoris Causa por la Universidad de Castilla La Mancha en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. Tiene buena relación tanto con la figuración como con la abstracción, aunque en ocasiones predomina una más que la otra. En obras suyas en las que no aparece ninguna figuración, él lo sigue viendo realista, para él no hay diferencia. Su obra sirve de referencia para grandes artistas como el arquitecto, escultor y pintor más relevante de la figuración madrileña y el posmodernismo español: Guillermo Pérez Villalta. Esta es una de las obras de Gordillo que pueden verse en La Aurora:

Sin Título. 1991.

Sofía M.H.

Hoy cumple Javier Mariscal 62 años

2012-02-09T19:55:00.000-08:00

Javier Mariscal nació el 9 de febrero de 1950 en Valencia. Sus primeras intervenciones en el mundo del arte fueron a través de publicaciones de cómics underground. Se hizo famoso gracias a la época donde el cómic adulto estaba en todo su apogeo. Formó parte de la llamada Nueva Escuela Valenciana, y empezó a abrir sus fronteras introduciéndose en el mundo de la escultura, el diseño gráfico y el interiorismo, sin dejar nunca de lado tampoco la ilustración. En la década de los 80, muchas de sus obras empezarón a convertirse en iconos. En el año 1987, realiza la escultura La Gamba, que se encuentra en el puerto de Barcelona. Ese mismo año expuso en el Centro Georges Pompidou de París y en la Documenta de Kassel, reforzando así su fama. Completó su década de los 80 cuando en el año 89 Cobi fue elegio mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona de 1992. Primero hubo polémica con la imagen de Cobi, pero finalmente se convirtió en una mascota muy rentable. Es también a finales de los 80 cuando crea el Estudio Mariscal, donde colaboran con él otros artistas. Entre otros proyectos, realiza en el año 1995 la mascota Twipsy, que es elegida para la Expo del 2000 de Hanóver. Este diseño fue vendido a más de un centenar de países. Es en el 2002 cuando realiza su último proyecto aunando diferentes disciplinas, concretamente en el Gran Hotel Domine Bilbao, muy cerca del Guggenheim. Es también en ese año cuando empieza a colaborar con Fernando Trueba, y también comienza a trabajar con lo audiovisual. En el año 2008, diseñó al completo la tienda de H&M que se encuentra en Portal de l’Àngel de Barcelona. En el 2010, una de sus exposiciones recibió a 150.000 personas, y en el 2011 se estrenó la película Chico & Rita que realizó junto a Fernando Trueba. Mariscal es un artista conocido internacionalmente que sigue en activo. Esta es la última adquisición de La Aurora de Mariscal:

San Juan

Sofía M.H.

Fallece Antoni Tàpies a los 88 años

2012-02-06T20:25:00.001-08:00

Creu Y S. Aguafuerte.

Ayer se cumplieron 115 años del nacimiento de Pedro Flores

2012-02-06T20:25:00.000-08:00

Pedro Flores García nació el 5 de febrero de 1897 en Murcia, y murió en 1967 en París. Pintor que trabajó junto a Luis Garay en un taller litográfico. Pertenecía a la Escuela de París, de la que formaban parte artistas como Pablo Picasso, Antoni Clavé; e inició sus estudios en la Real Sociedad Económica de Amigos del País y en el Círculo de Bellas Artes. Además de trabajar con Garay, estuvo en contacto con Ramón Gaya y el escultor José Planes. En una primera frase de su obra pictórica, su pintura es más naturalista, para la que utilizaba como fuente de inspiración las fotografías que tomaba de la huerta murciana, pero ese naturalismo lo irá dejando poco a poco a un lado para experimentar más con el postcubismo y el neoclasicismo picassiano. Dentro de un estilo vanguardista, pintó en diferentes soportes como óleos, ilustraciones o aguafuertes. Fue en el año 1928 cuando viaja a París gracias a una beca de la Diputación, donde se quedará hasta 1933. Sus exposiciones empiezan a aumentar, además de hacerlo en galerías cada vez más prestigiosas. Siempre tuvo muy buenas críticas. Fue entre 1933 y 1936 cuando ejerció de profesor en el Instituto Balmes de Barcelona. Expuso mientras tanto en lugares como Copenhague, Berlín o París. En 1937 fue uno de los participantes del Pabellón de la República en la Exposición Internacional de París. Más tarde su obra cambia de nuevo, pasando a otra fase completamente distinta, donde la temática y la composición cambian por completo respecto a sus anteriores obras. Ahora utiliza tonos más oscuros, sobre todo el negro, que le acercan a la pintura de Francisco de Goya o de José Gutiérrez Solana. Sus composiciones ya no muestran el aspecto optimista y alegre del principio, sino unos paisajes o personajes melancólicos. Su obra está repartida por diferentes centros artísticos de todo el mundo. Esta es una de sus obras que posee La Aurora:

Sin Título.

Sofía M.H.

Karine Boulanger cumple 49 años.

2012-02-03T17:55:00.000-08:00

Karine Boulanger nació en 3 de febrero de 1963 en Beirut (Líbano). Pintora con padre francés y madre boliviana, también pintora. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de París, donde estudió con el profesor Leonardo Cremonini; pero ya desde su juventud había empezado a formarse en el taller del pintor Gonzalo Rodríguez a la edad de 23 años. Mientras estudiaba en París, intentó buscar diferentes métodos artísticos que pudieran ir acordes con su intencionalidad. Se dedicó durante un tiempo al diseño de ropa, había estudiado también diseño de modas y alta costura durante tres años; pero más tarde vio que su verdadera vocación era la pintura. Realmente, sus primeras andanzas en el mundo del arte fueron en Bolivia, lugar que visita con bastante frecuencia. Ha expuesto en La Paz (Bolivia), Nueva York (USA), Palm Beach, Florida (USA), Cannes (Francia), Paris (Francia), Beirut (Líbano), Miami (USA), Boulogne-Billancourt (Francia), Puerto Rico (USA), Sainte Maxime (Francia), Bélgica, etc. En España ha expuesto en Donostia (San Sebastian), y parte de su obra se encuentra en Murcia en la Galería La Aurora. Utiliza el pan de aluminio y el de cobre en sus obras para poder reflejar más fielmente el espacio espiritual de la tierra de su madre. Sus pinturas, con un realismo con toques irreales al introducir de fondo pan de oro o de plata, nos muestran su parte más íntima. Esos fondos dotan a sus creaciones artísticas de un toque de espiritualidad. Los títulos de sus obras suelen esconder un mensaje poético. Ha dedicado parte de su obra a su familia; siempre están presentes tanto en su arte como en su vida, su marido Gabriel y sus hijos Diego y Laszlo. Sus trabajos pictóricos, tan llenos de colores imaginarios y de atmósferas que nos envuelven casi en otro tiempo, son obras plagadas de magia. Actualmente trabaja y vive en París, Francia. Esta es una de las obras que pueden verse en La Aurora:

Cuando La Luna Lloraba Astillas De Plata.

Sofía M.H.

Día 23 y 23 años sin Dalí.

2012-01-23T19:45:00.000-08:00

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, más conocido como Salvador Dalí, nació el 11 de mayo de 1904 en Figueras, y murió en la misma ciudad el 23 de enero de 1989. Pintor surrealista por excelencia. La vida de Dalí siempre ha estado rodeada de escepticismos, marcando así su personalidad trasmitiéndola también hasta su arte. Protagonista de varias controversias respecto a su vida personal y a sus ideologías, Dalí demostró con creces ser uno de los mejores artistas del siglo XX. Conocedor de muchas doctrinas -y muy diferentes entre ellas-, siempre quiso innovar en su obra y añadir elementos que nos mostraran su gran inteligencia. Supo qué pintar y qué elegir en cada momento de su vida. Su extraña personalidad le hizo tener grandes defectos de cara a sus seguidores, pero su "locura" formaba parte de un papel de artista con una personalidad peculiar. Intimo amigo de Federico García Lorca, pero cuando el escritor y poeta falleció, para Dalí parecía indiferente esta pérdida. Su obra ha dado la vuelta al mundo y siempre será uno de los artistas más conocidos de la historia del arte. En una entrevista en la que le pedían su defición de la pintura, dijo lo siguiente: "Fui el único, en pleno período surrealista, que lo dijo: "La pintura es la fotografía en color al pincel". Nada hay más surreal que la realidad. La existencia de la realidad es la cosa más misteriosa, más sublime y más surrealista que se dé. Pinté, dos veces en mi vida, cestas de pan. Creía que eran los cuadros menos surrealistas de toda mi obra, ya que sólo había cestas con pan adentro. Pero acabo de descubrir, leyendo a Michel Foucault, el sentido esotérico de la cesta. Ambas naturalezas muertas que, a mis ojos, en el momento en que las pintaba, no tenían ninguna trascendencia, quizás sean lo más surrealista que hice". Una de las últimas adquisiciones de Dalí de La Galería La Aurora:

A Tribute To Escamillo

Sofía M.H.

28 años sin Miró

2011-12-25T20:20:00.000-08:00

Joan Miró i Ferrà nació en Barcelona el 20 de abril de 1893 y murió en Palma de Mallorca el 25 de diciembre de 1983. Se convirtió en uno de los principales representantes del surrealismo. Fue pintor, escultor, grabador y ceramista. Como todo surrealista, reflejó en su obra su interés por el subconsciente. Tuvo influencias fauvistas, cubistas y expresionistas, llegando a tener un arte naïf. Desde que ubicó su residencia en París, su obra pasó a ser más onírica, adentrándose aquí en el surrealismo. Quiso acabar con todos los métodos convencionales de la pintura creando una nueva forma de expresión. El artista Albert Ràfols-Casamada, habla así sobre la obra de Miró: “Cada cuadro de Miró es un micromundo, y alguien dispuesto a mirar puede ver mucho. Sin embargo, si uno conoce la trayectoria del pintor lo ve de otra manera. Quien quiera comprender la evolución de Miró debería recorrer su Fundación, que cuenta con obras bien escogidas de todas las épocas, y al final observar sus últimos lienzos como la culminación de esa trayectoria que se va depurando y sintetizando, pero que mantienen el mismo mundo y obsesiones. En los últimos años, Miró trabajaba a partir de lo que llamaba un accidente. A menudo era algo que veía en la tela, que casi veía únicamente él; una manchita, por ejemplo. A partir de eso, su imaginación se ponía a trabajar. Era un azar controlado. En sus cuadros hay algo de azar, pero mucho control. Él decía que las pinturas debían concebirse con alma de fuego y realizarse con espíritu clínico, con gran purismo. Su obra es muy rupturista, muy chocante para quien no tenga una mínima formación sobre arte contemporáneo. No obstante, la mejor idea para acercarse al arte contemporáneo es ponerse delante del cuadro, sin ideas previas, y esperar que el cuadro te hable.” Esta es una de las últimas obras de Miró adquiridas por La Aurora:

La Pierre Philosophale

Sofía M.H.

Antoni Tàpies cumple 88 años

2011-12-13T20:30:00.000-08:00

Antoni Tàpies y Puig nació en Barcelona el 13 de diciembre de 1923. Miembro de una familia catalanista, involucrada desde el siglo XIX en el mundo editorial y librero, que hizo nacer el amor de Tàpies por los libros. Es uno de los artistas más destacados del siglo XX, pintor y escultor además de teórico de arte. A partir de la II Guerra Mundial y del lanzamiento de la bomba atómica, Antoni Tàpies empieza a interesarse por la materia, por los diferentes materiales como la tierra, comienza a experimentar con nuevas técnicas. Es uno de los mayores exponentes del informalismo, concretamente de la corriente de la pintura matérica. Tiene como referentes el Románico catalán y a Antoni Gaudí. Formó parte del grupo Dau al Set junto a los artistas Joan Brossa y Joan-Josep Tharrats entre otros, influenciado por el dadaísmo y el surrealismo. Su obra ha estado expuesta en los museos más prestigiosos de todo el mundo. En una entrevista le dijeron: "Según leí en cierta ocasión, la idea de reflejar la realidad en un cuadro a usted le parece, además de pasada de moda, perjudicial para la salud. ¿Es así?" A lo que Tàpies respondió: " Lo digo un poco en broma, pero sí, algo hay de cierto. Cada periodo de la historia del arte refleja la visión del mundo que tienen los hombres en ese momento determinado, contando con la aportación de los científicos, y de los filósofos... En el Renacimiento se inventó la perspectiva, que respondía a la idea del universo que se tenía entonces. El universo era un espacio vacío donde había unos personajes cuyos hilos estaban movidos por un ser sobrenatural. Hoy, en cambio, la ciencia nos ha demostrado que ese vacío no es cierto, y que entre usted y yo hay unos rayos eléctricos, o magnéticos, que fluyen continuamente. La materia no es algo sólido, como creíamos, sino un conjunto de movimientos en positivo y negativo que luchan siempre..." Esta es la última obra suya que la galería ha adquirido hasta ahora:

Porta Marró

Sofía M.H.

La primera mujer que expuso en el Louvre en vida

2011-12-05T20:55:00.000-08:00

Sonia Delaunay -Sonia Terk antes de casarse aunque nacida Sonia Stern- nació el 14 de noviembre de 1885 en Odesa, Ucrania, y murió el 5 de diciembre de 1979 en París. Pintora y diseñadora que a los cinco años fue adoptada por sus tíos, hecho que le influyó totalmente, ya que ellos fueron los que la animaron a estudiar arte. Esta artista se inspira en el cubismo, pero se le considera la mayor exponente del art decó. Sus diseños textiles revolucionaron el mundo de la moda. A través de sus experimentos cromáticos, encontró su estilo propio. Fue la primera mujer que expuso en el Museo del Louvre en vida. Estuvo casada dos años con su mejor amigo Wilhelm Uhde, que era homosexual. Fue un matrimonio de conveniencia para que él pudiera obtener la residencia, ya que era alemán. Uhde fue una escritor, critico de arte y coleccionista. Más tarde, Sonia (Sonia Terk por entonces), conoció gracias a Uhde a artistas como Georges Braque, Pablo Picasso o Robert Delaunay, de quien se enamoró y con quien contrajo matrimonio. Esto hizo que el arte de Sonia quedara totalmente en la sombra, y no se le dio toda la importancia merecida a su trayectoria artística hasta que su marido falleció. Estuvo trabajando hasta los 90 años, y en una ocasión afirmó: "He tenido tres vidas: una para Robert, otra para mi hijo y mis nietos, y otra más corta para mí. No me arrepiento de no haberme preocupado más de mi misma. No tuve tiempo." Hablando sobre su vida artística junto a su marido, decía lo siguiente: "Desde que empezamos a vivir juntos, yo estuve en segunda fila y antes de la década de 1950 jamás dí el paso adelante. Robert era brillante; tenía el instinto del genio. Por mi parte, yo vivía a mayor profundidad." "Se comete una auténtica y flagrante injusticia con nosotros dos. A mí me colocaron en las artes decorativas y no quisieron admitirme como pintora completa." Una de sus obras que hay en La Aurora:

Sofía M.H.

Los fotógrafos de La Aurora

2011-11-19T20:25:00.000-08:00

Con motivo del 224 aniversario del padre de la fotografía Louis Daguerre que se celebró ayer, les mostramos un listado con los artistas de La Aurora que han utilizado la fotografía en sus obras, ya sea como obras fotográficass en sí o como parte de un montaje artístico:

Juan De la Cruz Megías

José Miguel De Miguel

José María Díaz-Maroto

Ángel Fernández Saura

Ramón Garza

Antonio Girbes

Roberto González Fernández

(Pinche sobre el nombre de los artistas para ver las obras que hay de cada uno de ellos en la galería.)

Mujer Joven Con Espejo. Mariano Vargas.

Sofía. M.H.

¿Qué artista nació el 11-11-11?

2011-11-11T20:00:00.000-08:00

"Fue una relación amorosa: los quería asesinar." Así describía en una entrevista su vínculo con los surrealistas el artista nacido a las 11 de la mañana del 11/11/11. Hecho que estuvo presente en algunas de sus obras.

Roberto Sebastián Antonio Matta Echaurren nació el 11 de noviembre de 1911 en Santiago de Chile y murió el 23 de noviembre de 2002 en Civitavecchia, Italia. Este artista trató varias doctrinas artísticas, la arquitectura, la pintura, la escultura, la filosofía, y la poesía. Estudió arquitectura en la Universidad Católica de Chile. Para su tesis realizó bocetos de edificios con forma de mujer. Viajó por Europa y estando en Portugal conoció a la poetisa Gabriela Mistral, con quien convivió durante tres meses para ayudarlo, enamorándose de ella durante su estancia y llegó a pedirle su mano, pero ella, abrazándole, le dijo que podría ser su nieto y no aceptó. Durante el tiempo que pasó en París, trabajó en el taller de Le Corbusier, y siempre hubo rivalidad entre ellos. También conoció a Federico García Lorca, Salvador Dalí, René Magritte y André Breton, e hizo amistad con Pablo Picasso y Marcel Duchamp. Siempre dentro del surrealismo, Matta usaba la luz de forma muy difusa y grandes líneas sobre un fondo muy particular que lo hacían fácilmente reconocible. Utilizó diversos medios además de la pintura como la fotografía, el Système 88 y otros tipos de expresión. En el año 1992 se le otorgó el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, además de haber recibido más prestigiosos premios. En una entrevista, le preguntaron cómo fue su vinculo con los surrealistas, a lo que Matta respondió: "Fue una relación amorosa: los quería asesinar. Recuerdo a Magritte como mi primer amigo verdadero en ese grupo. Una tarde Dalí me envió con mis dibujos a una galería y fui ingenuamente sin saber que su director era André Breton; todavía me avergüenzo de esa perversa jugada de Salvador. Imagínese, yo llegué como un idiota donde ese poeta deslumbrante con mis precarios trabajos bajo el brazo. Él estaba empeñado en darle respiración boca a boca al arte aletargado, asfixiado, era un ser ejemplar. Cuando me invitó en 1937 a participar en ese Movimiento acepté inmediatamente y estuve con ellos hasta que una década más tarde el mismo Breton me excomulgó." Esta es una de las obras de Matta que hay en la galería:

Une Saison En Enfer.

Perteneciente a la carpeta que realizó en honor al poema "Une Saison En Enfer" de Rimbaud.

Sofía M.H.

Emilia Castañeda, la pintora que tiene como clientes a Jack Nicholson y Luciano Pavarotti, cumple hoy 68 años

2011-11-07T18:20:00.000-08:00

Emilia Castañeda nació el 7 de noviembre de 1943 en Madrid, pero su residencia es catalana. Pintora que tiene como clientes de sus obras a personas como Jack Nicholson, Luciano Pavarotti, Sara Montiel o Marta Ferrusola entre otros. Empezó sus estudios de pintura a la edad de 13 años en una academia particular, la de Víctor Estaban Ripaux, y más tarde en la escuela Llotja en Barcelona, a la vez que estudiaba en el Círculo Artístico Sant Lluc., finalmente terminó sus estudios en la escuela Massana. Desde sus inicios, han ganad numerosos premios en salones de arte y certámenes de pintura. Ha expuesto en ciudades como Reus, Barcelona, Washington (USA), Marbella, Melum (Francia), Sitges, Viena (Austria), Valencia, París (Francia), Miami (USA), Zurich (Suiza), Bruselas (Bélgica), Madrid, Grenoble, Palma de Mallorca, o Nueva York (USA) entre otros. Viaja constantemente para encontrar más fuentes de inspiración. La mujer es el protagonista indiscutible de sus obras, mostradas siempre en momentos de intimidad, llegando no sólo al cuerpo, sino también a la psique de estas. Predominan el cuerpo femenino en sus obras porque posee mayor sensualidad erotismo. Hace como los modernistas, que ya buscaban llegar así a la melancolía de sus personajes. Es miembro honorífico del Real Círculo de Bellas Artes. Su obra se ha llegado a describir como seductora y misteriosa, otros en cambio, la han definido directamente como erótica. Para muchos, sus pinturas parecen salidas de un sueño debido a esa suavidad y ternura con la que las realiza y debido también a algunas escenas que aparecen en ellas. Y para realizar este tipo de pintura, hay que ser muy arriesgada en esta sociedad que todavía sigue viviendo en algunas ocasiones y sobre todo en algunos lugares, con muchas censuras. Giovanni Tortosa, hablando sobre Emilia Castañeda, escribió que a ésta le habría encantado presenciar las orgías que organizaba Tiziano y poder ver a aquellas treintañeras venecianas para poder pintarlas, a modo de voyeur. Esta es una de las obras que hay suyas en la galería:

Claustre

Sofía M.H.

Hoy Luis Feito cumple 82 años

2011-10-31T19:55:00.000-07:00

Luis Feito López nació el 31 de Octubre de 1929 en Madrid. Este pintor comenzó con un periodo figurativo, seguido de una familiarización con el cubismo. Pronto empezó a exponer en las ciudades más importantes del mundo. Estudió la pintura de vanguardia y estuvo en contacto con los pintores que formaron el grupo El Paso, como Rafael Canogar, Juana Francés, Manolo Millares, Manuel Rivera, Antonio Suárez, Antonio Saura, Pablo Serrano, Martín Chirino y Manuel Viola, con los que colaboró en su creación. Estuvo influenciado por el automatismo y la pintura matérica. El color rojo formó una parte muy importante en su obra, así como la simplificación formal y material. En palabras de Feito podemos ver cómo describe su procedimiento artístico: "Mi espíritu me ha llevado en una evolución necesaria desde el más humilde aprendizaje de academia a mis últimas pinturas. Pinto como lo necesito en ese momento siguiendo la expresión que mi sensibilidad va descubriendo en el cuadro o en sí mismo. Crear, dar a luz en el cuadro expresiones absolutamente plásticas, reflejo fiel y directo de mi alma. Ni abstracciones, esquematismo o simbolismos, sino sentimiento puro y directamente espiritual. La pintura tiene valores propios y claros para producir emociones y sentimientos sin representar o simbolizar nada, cada espectador puede sentir una impresión distinta incluso a la del pintor." Posee el reconocimiento mundial a través de diferentes premios que le han otorgado por todo el mundo. En 1955 estuvo en la Primera Bienal de Arte Mediterráneo de Alejandría; en 1956 en la de El Cairo, Atenas; en 1959 le concedieron el premio de la U.M.A.M. en la primera Bienal de París y el primer premio Lisson de Pintura en Lisson, Italia; en 1960 ganó el premio David Bright en la XXX Bienal de Venecia; en 1985 es nombrado Oficial de la Orden de las Artes y las Letras en Francia; en 1993 es nombrado Comendador de la Orden las Artes y las Letras de Francia; en 1998 le otorgaron la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes y es nombrado Académico de Número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid; en el 2000 gana el premio de la Crítica en Estampa’00, en Madrid; o en 2003 le concedieron el premio al artista más relevante en la Feria de Arte de Osaka, en Japón, pero esta es sólo una pequeña lista de su alcance. Esta es una de las obras de Feito que hay en la galería:

Sofía M.H.

102 años del nacimiento de Francis Bacon

2011-10-28T20:20:00.000-07:00

Francis Bacon nació en Dublín el 28 de Octubre de 1909 y murió en Madrid el 28 de abril de 1992. Pintor expresionista de un estilo muy personal. Lo echaron de casa a los 16 años al contarle a su familia que era homosexual. Este hecho hizo que Bacon tuviera que hacer frente a la vida en solitario y en sus cuadros muestra la fragilidad del ser humano. Se ve también la época que vivió, la Segunda Guerra Mundial. Le encantaba visitar el Museo del Prado. Estaba influenciado por Goya, Van Gogh y Munch, llegó a recurrir al informalismo, al expresionismo y al surrealismo, pero sus obras realmente son racionalistas. Para muchos, directamente se trata de obras difíciles de clasificar. En un artículo escribieron lo siguiente sobre él: "La fuerza de la ambigüedad de sus obras es lo que hace de Francis Bacon un referente crucial de la pintura posterior a la Segunda Guerra Mundial, cuando los basamentos modernistas parecieron desfallecer. Bacon pone de manifiesto el choque de fuerzas que se origina en el mundo occidental: por un lado la vertiente racionalista, por otro, la vertiente organicista, en el centro Bacon sosteniendo en espacios ascéticos los cuerpos que se desmiembran en esa lucha por la fijeza, por la estabilidad jamás conseguida. Una visión desesperada que nos adentra en el territorio de la decadencia y la alienación. La pintura de Bacon abrió heridas en la belleza, horadó el sentido iconográfico del cuerpo para someterlo a una pesadilla pictórica sin precedentes en la pintura de occidente. Supo como nadie retratar la soledad de seres desgarrados por la vida que tratan de limpiar sus pecados en sucios y desolados lavados; seres alumbrados por un sol degollado y concentrado en una anémica bombilla la cual ilumina, de malas maneras, estancias huidizas.” Y así hablaba él mismo de su obra: “La mayor parte de un cuadro siempre es convención, apariencia y eso es lo que intento eliminar de mis cuadros. Busco lo esencial, que la pintura asuma de la manera más directa posible la identidad material de aquello que representa. Mi manera de deformar imágenes me acerca mucho más al ser humano que si me sentara e hiciera su retrato, me enfrenta al hecho actual de ser un ser humano, consigo una mayor cercanía mientras más me alejo." Esta es una de las obras de Bacon que tenemos en la galería:

Study For Portrait Of John Edwards

Sofía M. H.

Hoy Pepe Yagües cumple 43 años

2011-10-26T20:55:00.000-07:00

Pepe Yagües nació en Murcia el 26 de Octubre de 1968. Pintor y escultor que destaca -además de por su calidad artística-, por la originalidad, el ingenio y el humor de sus obras. Siente predilección por el mundo de la antigüedad, griego y romano, en concreto por la mitología de ambas culturas. Esto se hace patente en los títulos de algunas de sus obras. En las creaciones artísticas de Yagües, el título forma tanta parte de la obra como los elementos en sí, ya que siempre utiliza juegos de palabras para dotar del máximo sentido a las obras. En el primer grabado que hizo a la edad de 17 años, aparecía un minotauro -figura constante en sus obras-, pero él no conocía por entonces los de Pablo Picasso. El minotauro que más le han impactado en su vida, fue uno que vio en un jardín cerca del Museo del Louvre, realizado en mármol por un artista desconocido. En una entrevista en la que le preguntaron en qué trabajaría si no se dedicara a esto, dijo: "Con once años sabía que quería dedicarme a esto. En toda mi vida sólo ha habido un mes que me he dedicado a otra cosa. Ese mes, con 16 años, trabajé en un almacén de productos agrícolas vendiendo abono; me echaron por insumisión".Aunque piensa que los artistas murcianos no están muy valorados, él ha sabido cómo llegar alto. No sólo ha expuesto por toda España, también lo ha hecho en ciudades como París, Alemania, Bruselas, México, Bélgica, Paraguay o Nueva York entre otras. Censurado en varias ocasiones debido a que algunas de sus obras han sido tachadas de polémicas, pero Pepe Yagües cree firmemente en la libertad de expresión artística y ninguna censura le impedirá seguir realizando creaciones artísticas utilizando los medios que él vea convenientes. Formará parte de la Historia del Arte como uno de los más destacados artistas españoles contemporáneos.

Aquí Te Pillo, Aquí Te Amo. Pepe Yagües.

Sofía M. H.

130 aniversario del nacimiento de Pablo Picasso

2011-10-25T20:00:00.000-07:00

Hoy se cumplen 130 del nacimiento de Pablo Picasso.

Esta es la última adquisición de Picasso de la Galería La Aurora:

PEINTRE ET MODÈLE IV

5 de diciembre de 1963, Mougins.

Hoy cumple 84 años Pierre Alechinsky.

2011-10-19T18:20:00.000-07:00

Pierre Alechinsky nació en Bruselas el 19 de octubre de 1927. Pintor y grabador que ha abarcado las corrientes del surrealismo y el expresionismo. Estudió en la École Nationale Superieure d’Architecture et des Arts Décoratifs de la Cambre en Bruselas, donde su interés por las técnicas de la ilustración de lbros y la tipografía marcó el momento de inicio de lo que sería su fascinación por estas técnicas. Fue uno de los miembros del grupo CoBrA, del que también formaba parte Karel Appel, con quien trabajó. Los integrantes de este grupo artístico exploraban la vida social y animal en un estilo libre y abstracto basados en la apreciación de la ingenuidad que encontraban en dibujos de niños y de enfermos mentales. Conoció a Alberto Giacometti e intercambiaron impresiones. Después de la disolución del grupo CoBrA viajó a Kioto y ese viaje a Japón le influyó muchísimo en su obra gráfica. Se especializó en las diferentes técnicas de grabado. Posee un estilo propio muy expresivo y próximo a la abstracción. Produjo series, a veces con muchos coloridos, tanto en la pintura como en varias creaciones en obra gráfica. Estuvo al lado de Stanley William Hayter en el Taller 17, quien le hará de guía. Tiene relación con artistas mexicanos desde los años 60, por eso le dedicó a Octavio Paz una exposición con cincuenta obras. Se ha buscado un paralelismo entre la obra del escritor Octavio Paz y el pintor Pierre Alechinsky. En la retrospectiva que le dedicaron a Alechinsky en 1987 en el Guggenheim, Paz escribió un texto y un poema sobre uno de sus cuadros. Fue nombrado profesor en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes en París en 1983. En la actualidad vive y trabaja en Bougival. Su obra ha sido expuesta en lugares como Londres, Venecia, Nueva York, Pittsburgh, Silkeborg, Berna, Ámsterdam, etc. Este obra de Alechinsky está en la galería La Aurora:

6 cosas en común entre Le Corbusier y Pablo Palazuelo

2011-10-06T20:20:00.000-07:00

- Nacieron un 6 de octubre.

- Estudiaron grabado.

- Publicaron numerosos escritos.

- Están adscritos al minimalismo.

- Tenían cierto parecido físico.

- Hay obras suyas en la Galería La Aurora.

Pinche aquí para ver las obras que hay de Le Corbusier en La Aurora, y aquí para ver las que hay de Pablo Palazuelo.

Sofía M.H.

Antonio Saura, aniversario de su nacimiento.

2011-09-22T18:55:00.000-07:00

Antonio Saura Atarés nació en Huesca el 22 de septiembre de 1930 y murió en Cuenca el 22 de julio de 1998. Es uno de los pintores y escritores más destacados del siglo XX. Perteneciente a una familia de grandes artistas, su hermano Carlos Saura es el conocido cineasta, y su hermana es Ángeles Saura, escritora. Empezó a pintar y a escribir debido al tiempo que tuvo que pasar en casa a causa de una tuberculosis ósea. Desde un comienzo, sus obras eran oníricas y surrealistas. Fue uno de los fundadores del grupo El Paso junto a Manolo Millares, Pablo Serrano, Rafael Canogar y Luis Feito. En 1958 participó junto a Antoni Tàpies y Eduardo Chillida en la Bienal de Venecia. Entre 1957 y 1960 fue la etapa en la que los retratos, los desnudos, y las crucifixiones, eran algunos de los temas más recurrentes en su obra. Su pintura estará limitada por una gama muy pequeña de colores, destacando el negro, el gris, y el tierra. Este artista que sobresalió en el informalismo, nos muestró siempre unas pinturas muy expresivas. Trabajó como ilustrador dotando de imágenes grandes obras literarias como "El Quijote" de Cervantes, "1984" de George Orwell, "Las Aventuras de Pinocho" de Collodi, los "Diarios" de Kafka, "El Criticón" de Gracián, o los "Sueños y Discursos" de Quevedo. Es muy amplia su obra litográfica, ya que fue muy prolífico en la realización de ésta. Su obra ha sido expuesta en centros artísticos muy reconocidos en lugares como Bruselas, Ámsterdam, Londres, Kassel, Düsseldorf, Berlín, Aquisgrán, Viena, Toulouse, Lugano, Estrasburgo o Cracovia entre otros. Ha sido galardonado con numerosos premios como el premio Guggenheim de Nueva York (Estados Unidos) en 1960; el premio de la primera bienal gráfica europea en Heidelberg (Alemania) en 1979; la Medalla de Oro a las Bellas Artes de España en 1982; fue nombrado Officier de L’Ordre des Arts et des Lettres en París en 1990; recibió el premio Aragón a las Artes, en Zaragoza, en 1994; además de recibir el gran premio de la ciudad de París, en 1995. Desde 1950 estuvo publicando sus escritos, actividad que no interrumpió hasta su muerte. También se ha publicado parte de su obra póstuma. Esta es una de las obras de Saura que tenemos en la galería:

Sofía M.H.

Degas Vs. Picasso.

2011-07-19T19:40:00.000-07:00

Hoy se cumplen 177 años de la muerte de Edgar Degas, Pablo Picasso tenía 35 años. Nunca llegaron a conocerse, pero Picasso siempre tuvo gran fascinación por él, del que además pensaba que se parecía a su padre.

Sofía M.H.

Marc Chagall, casi 100 años dedicados al arte.

2011-07-14T17:30:00.000-07:00

El pasado jueves fue el aniversario del nacimiento de Marc Chagall, que nació hace 124 años y vivió casi 100. Marc Chagall nació el 7 de julio de 1887 en Vitebsk (Biolorrusia), y murió el 28 de marzo de 1985 en Saint-Paul de Vence (cerca de Niza, Francia). Este pintor ruso se identificó por la importancia que tenían sus obras en el subconsciente a través del humor y la fantasía. Estuvo influenciado por el expresionismo ruso y el cubismo francés. En sus obras también podemos ver escenas de la comunidad judía rusa, incluso reflejó episodios de su propia vida. Llegó a reflejar temas del Antiguo Testamento en una serie de aguafuertes. La mayor parte de su obra es una mezcla de fantasía y folclore. Es el surrealismo la corriente en la que se suele adscribir a este artista, pero muchos le ven toques de cubismo, otros de constructivismo, también se le asocia con el expresionismo e incluso con el orfismo. Aunque su adscripción a estas corrientes nunca fue completa. Su arte destaco no sólo por la temática elegida para sus obras, sino por ese carácter personal que le hizo tan característico. Siempre hizo referencias al mundo en el que le tocó vivir. La aparición de elementos ilógicos en sus imágenes derivan en interpretaciones de todo tipo en el que se pasa a un lenguaje de expresiones en el que Chagall intenta mostrar experiencias psíquicas. Se casó con Bella, que sería su musa para muchas de sus obras. Para él, "el arte es sobre todo un estado del alma". En 1934 viajó a España y le sorprendió enormemente la pintura de El Greco, y estas impresiones le inspiraron para seguir creando. Debido a las persecuciones nazis y a la muerte de su esposa Bella, interrumpió su carrera artística. Cuando más tarde la retomó, los colores de sus cuadros cambiaron bruscamente, pasó de usar colores brillantes a pintar con tonalidades oscuras y con un efecto tenebroso. En la actualidad, una pintura de Chagall puede alcanzar el precio de 6 millones de dólares. Esta es una litografía que tenemos de él en la galería.

Sofía M.H.

10 años sin Tharrats.

2011-07-12T19:00:00.001-07:00

El pasado martes se cumplieron 10 años de la muerte de Joan Josep Tharrats, que nació en Girona en 1918 y murió en Barcelona el 5 de julio de 2001. Pintor fundador del grupo Dau al Set junto a Tàpies. En primer lugar estuvo influenciado por Toulouse-Lautrec y Van Gogh, y más tarde por Kandinsky, Klee y Mondrian. Se adentró en el surrealismo y en la abstracción mágica, pero lo abandonó todo por el informalismo. También participó en la creación del grupo Tahüll. Se interesó por el diseño gráfico, la ilustración, las artes aplicadas y el mundo de la edición. Su forma de estampar le hizo lograr creaciones fantasiosas. Esta es una de las litografías que tenemos de él en la galería.

Sofía M.H.

Bienvenid@s

2011-07-05T19:15:00.000-07:00

Bienvenid@s al blog de la Galería de Arte La Aurora, situada en la zona del centro de Murcia. Desde el año 1994 -año de su inauguración-, han pasado por la galería un gran número de artistas, lo que ha permitido que todo aquel interesado en el arte, tuviera la oportunidad de tener a su alcance obras del arte contemporáneo. Además hemos recibido las visitas de grandes artistas los días en los que se ha inaugurado cada exposición. En este espacio, en Internet, tiene a su disposición -para su contemplación y/o para su compra- obras de más de 300 artistas; donde podrá encontrar litografías, serigrafías, grabados, aguafuertes, carborundos, xilografías, puntas secas, dibujos, fotografías, óleos, acrílicos, collages, esculturas, y todo tipo de creaciones artísticas de cada uno de ellos. La Galería de Arte La Aurora, además de apoyar el arte de la Región de Murcia contando en sus fondos con una amplia gama de artistas murcianos, también posee obras de otros artistas nacionales e internacionales como Pablo Picasso, Salvador Dalí, Antoni Tàpies, Martín Chririno, Joan Miró, Henry Moore, Christo, Le Corbusier, Josep Guinovart, Joan Brossa, Fernand Leger, Karel, Appel, Max Ernst, Frederic Amat, Andy Warhol, Marc Chagall, Joseph Beuys, Equipo Crónica, María Blanchard, Eduardo Arroyo, George Braque, Jaume Plensa, Javier Mariscal, Eduardo Chillida, Francis Bacon, Hans Hartung, Man Ray, Miquel Barceló, Henry Matisse, Keith Haring, Frantisek Kupka, Joan Josep Tharrats, Eusebio Seempere, Jordi Teixidor, Max Papart, Wifredo Wifredo Lam, José María Sicilia, Ouka Leele, Óscar Domínguez, Pablo Palazuelo, Juan Genovés, Antoni Clavé, etc. A través de la página web de la Galería La Aurora podrá encontrar de una forma cómoda todo lo que busca, ya que los fondos de la galería contienen miles de obras. Pretendemos poder llevar el arte a cada rincón del mundo dando a conocer muchos artistas, ya que de ese enorme listado, muchos de ellos no son tan reconocidos como los citados, y les invitamos a que los descubran, quizá encuentren entre ellos a su artista preferido. La Galería de Arte La Aurora, punto de referencia para el arte en Murcia, ha estado en numerosas ferias de arte por todo el mundo representando a grandes artistas. Podrá pasear por la web y ver las diferentes exposiciones acogidas por la galería, un listado de los catálogos editados, las ediciones creadas, los artículos de prensa en los que aparece la Galería de Arte La Aurora, unos datos significativos de cada artista para que puedan conocerlos no sólo por su obra, una breve historia de la galería, un apartado con juegos, que iremos incrementando poco a poco, un video y un texto informativo para que pueda conocer mejor el proceso de creación de la obra gráfica, y una lista sin fin de más cosas, ya que cada día vamos añadiendo mucho más para que este sitio sea de su total agrado y pueda acceder fácilmente a todo lo que busca. Si lo desea, puede facilitarnos su correo electrónico en el apartado Subscribirse y será informado eventualmente tanto de las exposiciones e inauguraciones de éstas, como de las distintas promociones y ofertas que se realizan en la galería, como los grabados a precios especiales. También puede seguirnos a través de las redes sociales como Facebook, Twitter, Myspace, o LinkedIn. Esperamos que disfruten de nuestras webs y no duden que nos tienen a su disposición en la Galería de Arte La Aurora y en el teléfono y correo electrónico que aparece en la página. El horario de La Aurora es de 10:00 a 13:30 de lunes a sábado y de 17:00 a 21:00 de lunes a viernes, los sábados por la tarde es de 18:30 a 21:00.

Todas nuestras obras se entregan con certificado de autenticidad.

Muchas gracias por su visita.

Sofía M.H.